EL CÓDIGO DE LO PERMITIDO EN LOS SOPORTES AUDIOVISUALES TRADICIONALES Y LAS NUEVAS TECNOLOGIAS DIGITALES DE LA COMUNICACIÓN

Miguel Santiesteban Amat

17. ¿Cómo lograr el equilibrio de la imagen?

Una imagen con equilibrio está afectada por:

1. El tamaño de un sujeto dentro del encuadre

La escala se ocupa de la relación aparente de tamaño que una imagen transmite. La audiencia juzga el tamaño, la distancia, la altura, etc., interpretando una serie de claves visuales:
Comparando lo circundante con el sujeto del que sabe su tamaño por conocerlo de forma real.
Comparando el sujeto mostrado con sujetos adyacentes de tamaño conocido.
En función del espacio que ocupa el sujeto dentro del encuadre.
Relacionando las claves de perspectiva de la toma.

El espectador interpreta la escala subjetivamente por el espacio que ocupa el objeto en la imagen, y por la presencia de otros objetos de tamaño conocido. Si se omiten las referencias de tamaño (ausentes u oscurecidas) es imposible interpretar correc­tamente la escala.

2. Su contraste.

Cuando predominan los tonos claros, el efecto resultante es alegre, delicado, abierto y sencillo.

El predominio de tonos oscuros crea un marco pesado, sombrío, sórdido y serio. Cuando se alivia con áreas de luz más pequeñas y definidas, el efecto tiende a convertirse en misterioso, solemne o dramático.

Una imagen con sobreabundancia de tonos oscuros no va bien en televisión.

Grandes áreas con valores oscuros o claros no destacables, que contengan poco contraste tonal, pueden resultar tremendamente aburridos.

Grandes áreas bien marcadas y contrastadas dan una imagen vigoro­sa y llena de significado.

Un tono claro, aliviado por áreas pequeñas y distintas, transmite animación y delicadeza.

Los tonos adyacentes se interfieren. Un tono claro puede hacer que otro cercano parezca más oscuro, mientras que un área oscura parece aclarar al tono claro cercano. Cuando más marcado sea el contraste y los bordes, más fuerte será el efecto.

a) Impresiones generadas por un contraste tonal
Un contraste tonal agudo se utiliza para aislar y definir áreas. Sugiere nitidez, dureza, vitalidad y dinamismo.
Las gradaciones tonales mezclan las áreas haciendo que la vista se traslade desde las regiones más oscuras a las más claras. Sugiere suavidad, belleza, tranquilidad, imprecisión, falta de vigor y misterio.

b) Énfasis introducido por el contraste tonal.

El contraste tonal da énfasis a la forma y a la masa. Una área pequeña y oscura desaparece en un fondo blanco grande, mientras que una área pequeña clara sobresale en un fondo oscuro.

3. Su posición dentro del encuadre.

Un sujeto presentado inapropiadamente puede perder fuerza, importancia o vitalidad.
Su postura general es también importante. Las actitudes débiles incluyen visiones de lado o atrás, tumbado mirando hacia abajo, doblegado, agachado, manos entrelazadas y movimientos lentos. Las actitudes fuertes incluyen visión de frente, cabeza levantada, puños cerrados, pies que pisan con fuerza y movimientos rápidos.
En el caso del ángulo de visión influye en la fuerza pictórica del sujeto:
= Si no está bien conseguido, la fuerza pictórica del sujeto disminuye.
= Si el encuadre está hecho con ángulo estrecho, la fuerza pictórica destaca realzando al sujeto, mientras que con un ángulo grande se sugiere debilidad y poca importancia.
 = La fuerza pictórica del sujeto aumenta cuando el plano se hace de cerca.
Fuerza pictórica del sujeto - posición del encuadre:
= Si el sujeto se sitúa más elevado en el encuadre gana fuerza pictórica.
Fuerza pictórica del sujeto - proporciones de su tamaño:
= Las proporciones relativas del tamaño del sujeto y las áreas circundantes afectan a la impresión de fuerza pictórica.
Influencia del entorno sobre el sujeto:
= Si el sujeto está sobre algún soporte, aparece más débil que sí no lo está.
= Las líneas escénicas dinámicas pueden dominar al sujeto y también otros sujetos más resaltados que él.
= Las líneas de fondo y el contraste tonal pueden fortalecer o debilitar pictóricamente al sujeto.

4. La interrelación de los objetos en la toma.

El equilibrio de imagen es en gran medida una cuestión intuitiva; no obstante podemos enumerar algunos principios útiles como guía:
Un encuadre centrado es satisfactorio, pero tedioso para el espectador.
A medida que un sujeto se traslada desde el centro de la ima­gen, el plano se desequilibra progresivamente.
Este efecto surge de forma mas notoria con objetos más grandes y/o más oscuros; sobre todo sí están en la parte superior del grande.
Un sujeto o una masa contrastada en luz situados a un lado del encuadre generalmente requerirán un contrapeso compensatorio en el resto del plano. Este podría ser una masa opuesta y semejante (equilibrio simétrico) o una serie de pequeñas áreas que en conjunto contrarresten la zona principal.
El contraste influencia el peso visual; los objetos más oscuros aparentan ser más pesados que los claros.
Una pequeña área más oscura y ligeramente desplazada, puede equilibrar otra más grande y más clara, que esté alejada del centro de la imagen.
Los tonos oscuros situados en la parte superior del encuadre producen un efecto de gran peso y deprimente encierro. En la parte superior del encuadre introducen estabilidad y solidez.
Los elementos verticales influyen en el equilibrio más que los horizontales, aunque el efecto horizontal global determine el equilibrio final del encuadre.
Los objetos con formas regulares tienen un peso visual mayor que los irregulares.
Los colores más cálidos (rojo, naranja) aparentan ser más pesados que los fríos (azul, verde) y los fuertemente saturados más pesados que los desaturados o más oscuros.

* Unidad (orden)

Las imágenes deben mantener una coherencia interna. Debe evitarse dispersar los elementos alrededor del encuadre. Por el contrario deben agruparse con líneas de composición reales o imaginarias para acentuar una unidad de estilo entre las imágenes sucesivas de una escena. Cuando la profundidad de campo lo permita, se pueden componer en profundidad unificando dos o más planos de la acción en primer término y el resto a distancia.

 - La unidad equivale a cohesión, relación entre masas:
1. Una imagen puede estar equilibrada aunque no esté unificada.
2. Un grupo puede estar unificado y no equilibrado. Las líneas de composición reales o imaginarias crean unificación visual.
3. Las líneas o gradaciones tonales que dividen la pantalla interrumpen la unidad.

* Ritmo visual

1. Las disposiciones pictóricas pueden producir efectos monótonos y reiterativos, o una variedad de énfasis de tonos y formas, es decir, ritmo visual.
2. Mientras que las líneas verticales y diagonales transmiten n ritmo enfático, las curvas horizontales y suaves transmiten un ritmo apacible.
3. Aunque la repetición de temas idénticos resulta tediosa, si se usa como desarrollo visual progresivo, podemos conseguir temas con mayor fuerza.

a) Ajuste del equilibrio
Las imágenes desequilibradas son inestables y carecen de in­terés.
Ciertas disposiciones simétricas clásicas también acaban siendo monótonas y tediosas.
Ciertas composiciones de grupo tienen una estabilidad conside­rable, pero deben estar correctamente encuadradas para que la imagen aparezca equilibrada.
Para reducir la simetría se pueden colocar objetos formando ángulos (pero procurando no situarlos muy arriba en la imagen), porque el equilibrio puede cambiar según la forma.
O se pueden regular los tamaños relativos de los sujetos.
La modificación de las distancias relativas de los sujetos al centro de la imagen cambia el equilibrio pictórico (intente regular o ajustar las posiciones de las figuras).
El aislamiento da mayor peso a un sujeto.
La agrupación de sujetos individuales da una gran consistencia colectiva (incluso unidad).
La combinación de tamaño y contraste tonal producen un equili­brio general. Las áreas grandes y los tonos oscuros deben encua­drar cuidadosamente. Si los tonos oscuros llegan hasta la parte superior de la imagen, producen aplastamiento hacia abajo (pesa­dez en la parte alta), y una sensación de opresivo encierro. Si están al pie de la imagen, proporcionan una base firme para la composición, dándole solidez.

b) Modificaciones del equilibrio

Se pueden modificar el equilibrio y el énfasis de varias mane­ras:
Cambiando el ángulo del objetivo (objetivo de distancia focal variable - zoom) con lo que varia el tamaño.
Cambiando la distancia de la cámara con lo que varían las proporciones.
Reajustando la altura del sujeto.
Modificando la agrupación de los sujetos.
Cambiando la altura de la cámara.
Cambiando el punto de visión, con lo que aparecen en la imagen diferentes contrastes tonales más o menos concentrados.
Cambiando la iluminación con lo que se modifica el contraste tonal y los colores de las áreas.

c) Unificación del interés
La imagen debería normalmente ordenarse de forma que la vista pueda encontrarse cómoda dentro del encuadre.
Se procura localizar el punto de interés.
Se evita la división o fraccionamiento de los centros de in­terés, excepto para fines dramáticos.

d) Velocidad de las líneas de composición:

El ojo observa algunas formas a una velocidad pausada (líneas curvadas suavemente) mientras otras las aprecia más rápidamente (líneas rectas, zigzags). Con una selección apropiada, se puede ajustar la vitalidad de la imagen y la velocidad con que el ojo la examina. Las líneas más rápidas atraen la atención y permiten entrecruces rápidos.
1. Si predominan las líneas curvas (lentas) se sugerirán efectos de calma, belleza, deliberación.
2. Las líneas rápidas son por lo general rectas o ángulos y crean una impresión de velocidad y vitalidad.
3. Las líneas de trazo continuo son más rápidas que las discontinuas.
4. La dirección del movimiento afectará a la velocidad.

e) Composición con varias cámaras

Puede lograrse de varias formas:
Seleccionando la composición de la toma real más efectiva, aceptando la debilidad de las otras.
En tomas discontinuas se puede reordenar la posición de la gente, el vestuario, iluminación para cada nueva secuencia de cámara. Esto puede tomar tiempo y causar errores de continuidad, pero proporciona resultados óptimos.
Se pueden disponer los sujetos de forma que se acomoden a todos los ángulos (como en las entrevistas).
Se pueden volver a colocar a los actores en el momento de pasar a otra cámara.

Se puede recomponer ligeramente la primera toma poco antes de la transición para que se acomode a la composición de la siguiente toma.

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