BIBLIOTECA VIRTUAL de Derecho, Economía y Ciencias Sociales

DIVERSIDAD CULTURAL, ARTE Y LITERATURA

Héctor Ruíz Rueda y otros




Esta página muestra parte del texto pero sin formato.

Puede bajarse el libro completo en PDF comprimido ZIP (87 páginas, 1.30 Mb) pulsando aquí

 


Arte y multiculturalidad

Reynaldo Thompson
thompsonreynaldo@gmail.com

Resumen

En el lenguaje visual del arte, la idea de multiculturalidad ha sido enfatizada en décadas recientes en gran medida gracias al uso de los nuevos medios tecnológicos como el cine, el video, la television y principalmente por Internet. A lo largo de la historia del arte occidental, donde por períodos ciertos países tendían a dominar a otros en el campo creativo, los lazos de unión establecidos con la obra artística, se fueron incrementando entre otras razones por el valor estético inherente a las obras. En el arte contemporáneo figurativo, o abstracto, material o virtual, temporal o permanente, tal vez los valores de belleza que dominaron el campo artístico durante milenios hayan disminuido o desaparecido, sin embargo otras herramientas como la interactividad o la facilidad en la distribución de la obra han enfatizado la interrelación ya no solo entre la cultura occidental, sino de un mundo globalizado en donde el arte es un lenguaje accesible a todo aquel que quiera comunicarse con ideas al resto de sus semajantes. Es así como la universalidad del arte en lugar de debilitarse con la multiplicidad de los nuevos medios de expression, cobra fuerza al ser un campo incluyente del conocimiento y la sensibilidad humana.

Palabras clave

Contemporáneo, globalización, multiculturalidad, tecnología, vanguardias.

Desarrollo

En el contexto del arte y durante siglos, las cortes europeas y la alta burguesía se disputaron las obras maestras de los artistas más renombrados del continente. Desde la península Ibérica a Rusia y de Inglaterra a Italia, las mentes creadoras plasmaban la cultura y el contexto de las regiones que pintaban en sus cuadros, que a su vez servian como referencia de los avances artisticos, sociales y económicos del reino, en ocasiones los mismos artistas servían de consejeros a los monarcas para la adquisicion de obras. Hoy muchas de esas obras están cobijadas por los grandes museos del mundo.

En el siglo XIX y durante el período neoclásico los pintores y escultores franceses se establecían temporalmente en Roma para estudiar las obras clásicas en un ambiente que la academica e historiadora de arte Abigail Salomon-Godeau calificó de homosocial . Hacia finales de ese mismo siglo se inició el éxodo de artistas de varias regiones del mundo a la ciudad luz. París se convirtió así en el centro del arte y la cultura occidental, el filósofo alemán Walter Benjamin describe el fenómeno en su ensayo Paris Capital del siglo XIX.

La gran efervecencia multicultural en los cafés y boulevares de la gran urbe resultaban el lugar propicio para la creación donde el taller representaba el lugar de gestación de la pintura que más tarde estaría en los salones o en colecciones privadas. Si en sus inicios el taller estaba abierto a la inteligenzia, con el paso del tiempo sus puertas se abrieron a estudiantes, marchantes y espectadores. El taller resultaba un espacio de creación, socializacion y analisis de la obra misma. La multiculturalidad a la que me refiero en este breve ensayo no resultaba tan amplia antes del siglo XX, sin embargo con el avance de las vanguardias artisticas se fue incrementeando al punto que podemos apreciar hoy día, pues es inegable que el impresionismo, con sus investigaciones científicas de la luz, estuvo dominado en gran medida por artistas francéses.

Los talleres de algunos pintores incluso previos al impresionismo quedaron plasmados en las pinturas de Boilly, Courbet o Foutain-Latour en las que no se apreciaba un ambiente realmente multiculutal, sino una forma de socialización.

Sin embargo el pintor post-impresionista Paul Cezanne cuya reflexión fue más allá del estudio de la luz que incidia en las superficies, inició en su pintura un ingenioso desdoblamiento de los objetos observados, desafiando en la representación de los mismos, los efectos de la gravedad. Con ello se inició a un nuevo campo formal en la investigación pictórica que había perdurado desde Giotto en el Cuatrocento. La nueva busqueda espacial culminaría en movimientos artísticos posteriores al impresionismo con la compresión del tiempo y en donde las nacionalidades de los creadores que tomaron el relevo no necesariamente tenían raíces en suelo francés.

Con la descomposición de los objetos representados en formas puras iniciado por Cezanne, el cubismo de los españoles Pablo Picasso, y Juan Gris o del francés George Braque permitió al espectador ver el lado oculto del objeto, el cual ya no tenía que ser imaginado por el espectador, el artista con su ingenio lo había descompuesto en sus caras evitando con ello una posible inversión de tiempo para observarlo desde todas sus facetas. Los nuevos retos impuestos por la fotografía representaban un desafío para el artista, siendo la primera una manera más fiel de capturar la realidad y producir una lectura global y rápida del mundo.

La búsqueda de formas expresivas en el cubismo, futurismo y constructivismo fueron un estímulo y un desafío para la sensibilidad estética. En dichas corrientes artísticas el espacio y el tiempo estaban representados de una manera distinta. Los artistas en ese momento ya no solo eran de origen francés, tambien los había italianos, rusos e incluso Diego Rivera, el muralista mexicano que por aquellos años vivía en París y quién acogió al cubismo como forma de expresión artística.

París se había convertido en un magneto de creadores, no solo europeos pues con ellos convivian artistas de toda America, Asia y en menor grado de Africa. Sin embargo el fantasma de la Segunda Guerra opacó el cielo europeo obligando con ello a emigrar a muchos de ellos antes de ser llevados a los campos de concentración o acabar muertos en las batallas.

A mediados del siglo XX la capital del arte se traslada a Nueva York, la efervescencia artística en la ciudad americana no solo acogió a los artistas y coleccionistas de origen judío, también con ellos llegaron artistas de todos los credos y nacionalidades. El nuevo poder político y económico de los Estados Unidos les abrió las puertas de la estabilidad propiciando una vez más la creativdad artística. El interés de las mentes creativas por establecerse en la capital económica de altos rascacielos no ha mermado y desde entonces el intercambio de ideas entre culturas del orbe propicia el intercambio cultural de manera fluida.

No es un secreto que las políticas regionales en mucha capitales mundiales han permitido el reciclaje de zonas degradadas de la ciudad mediante rentas baratas para artistas, quienes una vez establecidos en dichas áreas, propician y un nuevo desarollo económico creando al mismo tiempo una zona multicultural de cratividad, los casos de SOHO y más recientemente Chelsea en Nueva York o del casco viejo en Barcelona son prueba de ello. Un experimento similar se llevó a cabo recientemente en el Centro Historico de la capital mexicana a iniciativa de un empresario mexicano.

Regresando al contexto norteamericano, el intercambio cultural no ha sido ajeno como señala Yves Michaud a los imperialismos estéticos del arte americano, que desde el expresionismo abstracto hasta Walt Disney han dominado la escena artística mundial. También es cierto que en años recientes se ha observado un desarrollo mayor del pluralismo geográfico y artistas asiaticos de tradición estética distinta a la Euro-Americana forman ya parte de la historia del arte contemporáneo.

El contexto multicultural tambien ha contribuido al cambio de patrones estéticos, y la belleza que en términos artisticos responde a invención del gusto universal del siglo XVIII con Baumgarten (1714-1762) y Kant (1724-1804) y la consecuente predicción de la disolucion del arte planteada por Hegel decadas mas tarde al plantearnos la problemática de que la vida misma puede convertirse en una obra de arte quedo limitada en el contexto postmodeno.

Considerando lo como Pierre Francastel afirma, que: _el artista traduce en un lenguaje particular una vision del mundo comun al conjunto de la sociedad en que vive_ esto quiere decir que los artistas informan sobre un mundo en algunos aspectos desconocido para el general de la sociedad, propiciando con ello los intercambios de ideas, que podrán estar inspirados en épocas recientes o hace milenios. Como ejemplos, tenemos la influencia que ejerció David Alfaro Siqueiros en Jackson Pollock, la escultura Maya en Henry Moore o los cráneos humanos decorados con piedras semipreciosas de los aztecas en la obra de Gabriel Orozco o Damien Hirst. Nadie duda de la capacidad creativa de los artistas sin embargo es cierto que ellos no salen del limbo e inician el proceso creativo.

Otro ejemplo es la influencia que ejercio Leonardo Da Vinci (1452-1519), el genio universal, en la artista alemana Rebecca Horn, inspirada no en la obra artística del italiano, sino en sus proyectos ingenieriles.

Rebecca Horn no solo ha explorado mecanismos y aspectos formales de las máquinas diseñadas en el siglo XV, sino incluso ambos artistas comparten su interés en del juego bélico que Da Vinci alimento al diseñar armamentos al servicio de monarcas. Horn lo hace de manera catartica al instalar escopetas que disparan pintura roja, una contra la otra, simulando la sangre en los humanos.

Una vez tocado el tema de la sangre, tan recurrente tanto en el arte como en la religión ya sea cristiana o prehispanica, el cuerpo es ofrecido como tributo a los dioses. En el arte contemporáneo dicho recurso lo encontramos en el ya desaparecido artista francés Michel Jorniac (1935-1995) en su Misa Para un Cuerpo de 1969 donde Jorniac ofrece una morcilla preparada con su propia sangre. Decadas más tarde, el tema es retomado por el artista Britanico Marc Quinn en su pieza Incarnate y posteriormente con su escultura Self de 1990. En todos los casos, el consumo ritual o simbólico de la sangre implica un acto de encarnación y canibalismo acorde con la preparación ritual de la víctima en los sacrificios humanos aztecas. Ello en terminos modernos puede tambien interprestarse como la manera de enternder el mundo desde el personal punto de vista del artista.

Ya en este punto debo aclarar que toda obra de arte y objeto cultural constituye un archivo del discurso de la acción humana, y así como la obra de arte es el lugar donde convergen diversas creencias, ideas o tendencias de una época, la inspiración puede venir de la condición de la vida o del acto de la muerte, en el primer caso se puede plasmar vicios o virtudes, generosidad o codicia, refinamiento o vulgaridad humana siendo ello solo una representación de las leyes del universo.

En los tiempos postmodernos, la tecnología ha creado una co-dependencia que también ha abierto posibilidades expresivas cuya llegada al consumidor del arte puede ser inmediata gracias al Internet.

La obra de arte es un punto de convergencia, un signo intellectual donde el pensamiento creador del artista y su experiencia personal es abordada por el del espectador.

Si durante siglos el cine representó la realidad en la imagen proyectada, con los nuevos medios digitales la imagen se desliga de dicha realidad como algunos artistas de la vanguardia europea se liberaron de la figuratividad. La cueva de Platón donde las sombras proyectadas eran solo referencia a la realidad quedan como antencedente de un tiempo postmoderno donde la hiperreal se acerca a lo hiperfalso en el que el arte sigue representando el mundo de las formas sensibles.

Hoy en día, la credibilidad en la imagen del otro lado de la pantalla es incuestionable dado que representa la manera de transportar al espectador fuera de la realidad. Tal vez de la misma manera como la iglesia efectuó propaganda religiosa durante siglos y los museos siguen sus pasos como centros de cultura y reflección espiritual en el momento contemplativo.

Actualmente los gestos que los artistas digitales efectuan en el teclado de la computadora para manipular la luz que incide la pantalla pueden ser descritos como sustancias sicotropicas que alteran el estado del espectador. El producto del intelecto no tiene la caracteristica de la obra de arte única que era apreciadad en el espacio exclusivo de la colección privada o del museo. La obra de arte digital tiene la ventaja de poder llegar a un gran numero de espectadores con una conexión de internet, aunque detrás de dicha producción están los intereses de los productores de software por introducir sus productos y obtener beneficios, especialmente el de programas que producen efectos, imágenes o sonidos espectaculares que incrementan la atracción del público. La realidad virtual puede tener esas propiedades donde la sensibilidad de participar en el espacio de la imagen proyectada rodeando el espacio del espectador extiende la experiencia mas allá de los límites de su cuerpo.

Así, a través del exorcismo de la luz y la artificialidad de los efectos, el espectador es capturado con más efectividad en la interacción, herramientas exploradas inicialmente por el cine y la televisión, pero cuyos mejores resultados se produjeron gracias al Internet convirtiéndose al mismo tiempo en un instrumento de control y globalización.

Así, la imagen digitalizada como forma de arte representa una revolución como en su momento lo fue la perspectiva en el cuatrocento o el cine en el siglo XIX. En nuestros días y compitiendo con los programas de televisión, las imágenes mostradas en las pantallas de computadoras pueden alcanzar un mayor numero de espectadores en la intimidad de sus hogares como no lo había hecho ninguna otra forma de arte. Los logros del código binario en la computadora y la imagen digitalizada han traducido el lenguaje emotional al lógico y racional de la máquina, lo que convierte a las pantallas en una seducción para el Narciso digital, como llama Baudrillard al usuario de la red.

Ejemplicando lo anterior con el trabajo de una artista que desde mi perspectiva podría considerarse como multicultural, no solo por su antecedentes biográficos, sino por lo interactivo de su obra que trasciende fronteras y la diversidad geográfica de su equipo de colaboradores.

Su nombre es Rafael Lozano-Hemmer (1967) de origen es Mexicano-Canadiense pero que vive España. La pieza que me ocupara en las próximas líneas es la llamada Re:positioning Fear (1997) presentada en Graz, Austria en 1997. En ella, los meta-languajes a los que Lyothar se refiere en su libro La condición postmoderna, son como una idea teatral, pues la instalation tiene como meta que el espectador forme parte de la obra convirtiendo su experiencia en arte. La obra consiste en la proyección de sombras sobre el muro, las cuales recuerdad el teatro de sombras en la tradición china, sin embargo en la obra de Lozano la tecnología usada para producir la imagen es mucho mas compleja. En ella, con un grupo de expertos, Lozano maneja un sofisticado sistema de interfaces que usa mecanismos de rastreo, por lo que las sombras producidas por la luz de alta intensidad eran automáticamente enfocadas y al mismo tiempo generaban sonidos .

La sublimidad de la imagen eterea refuerza la difundida idea de que cineastas y directores piensan mas en imagen-movimiento e imagen-tiempo que en conceptos. En la obra de Lozano la interacción con el espectador es distinta a la de las 24 imágenes por segundo del cine, convirtiéndose en un juego de reposicionamiento y sonido en tiempo real. Acerca de la interacción de la pieza, Lozano explica:

Lo que la tecnología digital enfatiza a traves de la interactividad es la multiplicidad de lecturas, la idea de que la obra de arte es creada con la participación del usuario.

En otra ocación agregó: “Si nadie participa, entonces la pieza no existe” . Esta obra en especial implica lo hilarante y mágico de la tecnología, sin embargo en algunas de sus otras instalaciones, usa tecnologias que fueron primeramente usadas con propósitos militares of de vigilancia, evidenciando temas de la sociedad actual como lo es el control de masas, la inspección, la emigración ilegal, la guerra y la represión, por mencionar solo algunos. Por ejemplo en el tema de la emigración, donde los habitantes de zonas empobrecidas de ciertas regiones del planeta se desplazan hacia las más desarrolladas no sin existir la idea de vigilancia. La pieza que Lozano mostro en la inauguración del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) e la ciudad de Mexico City enfatiza el tema. Lozano realza el fenomeno de zonas conflictivas en la frontera con los Estados Unidos y Mexico donde patrullas, cameras de control y sofisticada tecnología militar son lo más novedoso. Intencionalmente in este trabajo que discutimos, Lozano programó el sistema para dirigir los reflectores en la dirección contrario a donde el espectador se movia, en este caso los visitantes en vez de ser cazados como indocumentados emigrantes al entrar en el territorio de los Estados Unidos pareceian estar protegidos por los sensores que detectaban el movimiento, aboliendo la presencia de un vigilante cercano.

Con la obra de arte descrita, el artista destaca el viejo fenomeno de la emigración de zonas pobres o en conflicto a zonas seguras, paradojicamente, Lozano trata con la idea de separación en la relacion México-Estados Unidos que terminó con la construcción parcial de un muro a lo largo de la frontera .

La separción física impuesta mediante el muro es el resultado de problemas sociales como el trafico de drogas a freneticos consumidores, pobreza, ignorancia y corrupción en ambos lados de la frontera, situacion a veces benefica a los gobiernos en turno. Este entre otros problemas mayores fueron las circunstancias que algunos artistas como los muralistas tambien criticaron en los muros de las intituciones públicas. Si la pieza tecnologica de Lozano se opone a la idea de cazar ilegales al iluminar las areas donde no esta el visitante, ello se puede interpretar como una protección al mismo. Aquí el propósito inicial de la tecnología militar encuentra nuevas aplicaciones en la mente del artista cuestionando el control de seres humanos bajo la paranoia de Panopticon del super estado, pero como Paul van Dijh enfatiza, _la tecnología no es democratica, su herencia de principio de organización la lleva a una tendencia totalitaria¬_ .

La riqueza en la producción artistica de Lozano lo ha llevado a desarrollar otra pieza de caracteristicas similares tituladad The Trace (Huella o vestigio) en la que ademas de usar un sistema similar, tiene un elemento tecno-espiritual al unir dos seres humanos por medio de una mistica telepresencia. La parte interesante es que ninguno de los participantes conoce a la persona con la que interactua sin embargo el sistema recuerda al Yin-Yang de la filosofía oriental. En este último caso, la idea es que los rayos de luz son dirigidos hacia el espectador mientras que en la pieza descrita con anterioridad el proposito era evadir la presencia de quien invadia el espacio. En cualquiera de los casos, el proceso euristico inherentemente implica una regulación de control y vigilancia estudiada en terminos téoricos por Michael Foucault.

Con esta perspectiva en mente, tenemos que reconocer que los Estados Unidos es una sociedad que tiene desde sus inicios como nación ha creido en la ciencia y sus aplicaciones como una manera de asegurar el futuro. Por esa simple razón, en nuestros tiempos postmodernos, la tecnología se ha convertido en un tema de sobrevivencia. No es por suerte que las naciones poderosas traten de ganar la carrera tecnologica. Casos recientes de crecimiento económico como China e India quienes han acogido la tecnología como medio de desarrollo corroboran mi argumento.

A fines de la decada de los setentas, el filósofo francés Jean François Lyotard predijo el estatus quo de nuestros dias. En los dias cuando presento sus investigaciones en una conferencia internacional en Canada, resumio el futuro en un arreglo de estados donde la complejidad se convertiria en la norma social y politica entre los estados.

Reforzando la tecnología, uno “refuerza” la realidad y las oportunidades de estar en lo justo y correcto se incrementan por consiguiente. Reciprocamente, la tecnologia es reforzada más efectivamente si uno tiene acceso al conocimiento científicio y la autoridad en la toma de desiciones.

Tal vez el ejemplo más contundente de multiculturalidad en la obra de Lozano-Hemmer lo represente la obra Elevación Vectorial comisionada por el gobierno de México para los festejos del milenio. En la instalación, la interactividad de la obra con los espectadores de todos los rincones del planeta podía alcancerse gracias a la red que permitía la orientación de los haces luminosos en la Plaza del Zocalo en la ciudad de México. La pieza además de ser vista por los transeuntes del lugar, podía ser observada vía internet gracias a unas camara instaladas en las cercanías del lugar. Lo que los espectadores observaban eran los resultados de los que otros espectadores diseñaban en las terminales de computo desde un lugar remoto. A ese grado de complejidad se añade el equipo técnico de distintos países que apoyaron a Lozano en la ejecución del proyecto.

En este contexto y a lo largo del ensayo he tratado de demostrar que por un lado las vanguardias artísticas del siglo XX contribuyeron en gran medida al fenómeno multicultural, púes ya no solo la obra representaba el contexto de lo que en otras latitudes los artistas representaban en sus creaciones, sino incluso la interrelación que exitía entre individuos de distintos continentes, culturas y lenguas estaban unidos mediante el lenguaje del arte.

En nuestros días es inegable que la tecnología ha representado una relación hipercompleja de culturas donde el fenómeno de la globalización ha borrado las fronteras físicas presentado nuevos retos para una sociedad en constante cambio.


Grupo EUMEDNET de la Universidad de Málaga Mensajes cristianos

Venta, Reparación y Liberación de Teléfonos Móviles
 
Todo en eumed.net:

Congresos Internacionales


¿Qué son?
 ¿Cómo funcionan?

 

15 al 29 de
julio
X Congreso EUMEDNET sobre
Turismo y Desarrollo




Aún está a tiempo de inscribirse en el congreso como participante-espectador.


Próximos congresos

 

06 al 20 de
octubre
I Congreso EUMEDNET sobre
Políticas públicas ante la crisis de las commodities

10 al 25 de
noviembre
I Congreso EUMEDNET sobre
Migración y Desarrollo

12 al 30 de
diciembre
I Congreso EUMEDNET sobre
Economía y Cambio Climático

 

 

 

 

Encuentros de economia internacionales a traves de internet


Este sitio web está mantenido por el grupo de investigación eumednet con el apoyo de Servicios Académicos Internacionales S.C.

Volver a la página principal de eumednet